ファインアート
ファインアート（fine art, fine arts）は、芸術的価値を専らにする活動や作品を指す概念。 日本語の芸術とほぼ同義であるが、とくに応用芸術、大衆芸術と区別して純粋芸術を意味する場合に使われる。芸術の中でも美術について使われることが多く、この場合、応用美術に対して純粋美術とも。
ファインアートは、ハイカルチャーを構成する一部分である。ハイアート(high art)はファインアートとほぼ同義だが、ファインアートは応用芸術との対比で、ハイアートは大衆芸術との対比で使われることが多い。
代表的なファインアートは絵画、彫刻であり、これに対するイラストレーションやデザイン、工芸と峻別されるが、20世紀最後の四半期以降、その領域は互いに浸透し、区分は曖昧なものになりつつある。
ファインアートの誕生
実用性からの独立
応用美術や大衆芸術と区別されるファインアートの概念は18世紀後半のヨーロッパにおいて確立した。その芸術的価値だけではなく、他の実用的価値を持つものを応用芸術、大衆の娯楽のためのものを大衆芸術と呼び、そのいずれにも属せず、芸術的価値を専らにする活動や作品をファインアートと呼ぶようになった。
視覚芸術すなわち美術の分野を例に採れば、これらはもともと建築物や家具、食器、衣服などへの装飾であった。ところが壁画が板絵、タブローとなって壁から離れ、構造物への彫刻も、彫像だけが独立し、もとの建築物との直接の関係がなく制作されるようになり、独自のジャンルとして絵画、彫刻が発展した。 この背景にはテンペラや油彩が発明されるという技術的要素や、絵画、彫刻が商品として売り買いされるという当時の社会経済状況がある。 すなわち装飾性が、他の実用的機能と切り離されて制作されて発展し、装飾性は芸術性に格上げされる。 ここにおいて、他の実用性から独立した芸術的価値という概念が産まれる。 装飾性から芸術性への格上げには作家の個性を重んじる思想がある。実用的機能と切り離されることによって、作家の個性による創造性がもっとも発揮される。
1648年にフランス王立絵画彫刻アカデミーが、1669年に音楽アカデミー、1671年に建築アカデミーができていた。 1816年にこれらを合体したフランス芸術アカデミー(Académie des Beaux-Arts de l'Institut de France)が誕生する。これからファインアート、フランス語でボザール(Beaux-Arts)の概念を窺い知ることができる。
ハイカルチャーの担い手
ハイカルチャーは大衆芸術(popular arts)あるいは大衆文化、ポップと対立する概念である。 ファインアートはハイカルチャーに属するものとされた。
音楽の場合、クラシック音楽がハイカルチャーに属し、対してポピュラー音楽や民族音楽は大衆芸術あるいは芸能である。オペラと後のミュージカルの違いも、その使用する音楽が、前者がクラシック音楽を用いてハイカルチャーに属するのに対し、後者がポピュラー音楽を用いることによる。
ファインアートの地域性
ファインアートの概念が産まれた18世紀後半のフランスは、文化史的には新古典主義の時代である。新古典主義は2度目のルネサンスであり、古代ギリシアを理想、模範とした。ヨーロッパ人は世界中に進出を果たし、オリエンタリズム、ジャポニスムなどの異国趣味が流行した。
1907年、パブロ・ピカソはアフリカの仮面（アフリカ美術）に強い影響を受け、『アヴィニョンの娘たち』を描いた。
その後のファインアート
ファインアートの概念が確立した時期はイギリスでは産業革命の時期と重なっている。ハイカルチャーの担い手も商業ブルジョワジーから産業ブルジョワジーへと移りゆく時期である。 やがて各国に拡がる産業革命で現れたものは工場での大量生産であった。応用美術の中に工業デザイン（インダストリアルデザイン）が登場する。 大量生産の品に対して手作りの物は工芸(crafts)として、またそれらを超越するものとしてのファインアートも珍重される。
19世紀末になって、工芸の価値を高めるべくイギリスでアーツ・アンド・クラフツ運動が起こる。 これはフランスではアール・ヌーヴォー、アール・デコに引き継がれ、美術と工芸の蜜月が進む。 20世紀初頭、鉄とコンクリートに象徴される工業の発展は、工業デザインや建築も巻き込んで産まれた新しい潮流、モダニズムを産んで、それは美術へも還流する。 1919年ドイツに設立されたバウハウスは建築を中心に美術、工芸、写真、デザインを教えるものであった。
いっぽう、社会の変化を反映してダダイズム運動がファインアートの内部から起こる。 マルセル・デュシャンが1917年にニューヨークの「アンデパンダン展」に偽名で男性用小便器をほとんど加工なく『泉』と題して出展した事件が有名である。 これは反芸術ともいわれるが、既存の常識を越えてファインアートの陣地を広げたものとも解釈できる。
音楽においてこれと似た画期は、1952年にジョン・ケージによる終始無音の『4分33秒』が「演奏」されたことであろう。 これはダダイズムの時期ではなく、第2波のネオダダとリンクしている。
20世紀後半になって、とくにアメリカ合衆国の経済的繁栄、大量消費社会を背景に大衆文化が盛んになると、それを取り入れたポップアート（アメリカン・ポップ）が登場する。 1950年代にジャスパー・ジョーンズは星条旗を油彩で描き、 ロイ・リキテンスタインは1960年代に、新聞の連載漫画の1コマを、印刷インクのドットまで含めてキャンヴァスに拡大して描いた。 アンディー・ウォーホルは同じころ、シルクスクリーンによる版画を好み、マリリン・モンローの顔写真などを題材にした。 1939年に論文『アヴァンギャルドとキッチュ』でファインアートの「大衆化」に抵抗し、モダニズムの理論的支柱であったアメリカ合衆国の美術評論家クレメント・グリーンバーグは、最後までポップアートを批判していたが、ポップアートが当時アメリカ文化の旗手であったことは否めない。
「モダニズムの終焉」が唱えられる1970年代後半以降、ファインアートの陣地はいっぽうで拡がりつつも、いっぽうでは危うくなっている。 現代では版画や写真、映像もファインアートの一分野と認識されるようになっている。また、ニューヨーク近代美術館やフランス国立近代美術館が工業デザインも扱うなどの動きがある。 1864年に設立された、オーストリア王立美術工業博物館は、1986年に応用美術と現代美術を共に扱うMAK（Osterreichisches Museum für Angewandte Kunst、オーストリア国立工芸美術館）として再出発した。
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